"Sie wollten zu neuen Ufern aufbrechen, die Künstler, die sich 1905 unter dem bezeichnenden Namen "die Brücke" zusammenschlossen. Sie begehrten gegen die Konventionen auf, wollten spontan malen. (...)
Künstler wie van Gogh und Cézanne prägten viele junge Künstler. Die Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen stellt nun mit Walter Ophey einen weniger bekannten Vertreter einer expressiv subjektiven Kunst vor, einen "rheinischen Expressionisten". (...)
Und künstlerisch bewegte er sich durchaus in der Nähe der Brückekünstler. Das tiefdunkle Rot mag an Schmidt-Rottluff erinnern, das intensive Blau an Erich Heckel, das vegetativ üppige Grün an Ernst Ludwig Kirchner. Und auch der oft vehemente dicke Farbauftrag entspricht dem Streben der Expressionisten nach unverfälschtem Ausdruck auf der Leinwand. Doch während die Brückekünstler ihre Malerei zum Ausdruck innerer Zustände und Empfindungen nutzten, ging es Ophey eher um den Reiz der Dinge, vor allem um die Farbe. Ophey war weniger ein Mann des intensiven Innenlebens als vielmehr ein Künstler des Auges. Das Sonnenfeuer wolle er auf der Fläche einfangen und in strahlender Farbe wiedergeben, schrieb er einmal. (...)
Das gilt auch für sein fulminantes Bild "Komet", auf dem sich das Strahlen des Himmelskörpers überall verteilt, als Funken auf der gewellten Wasseroberfläche, als Farbgestöber in der nachtdunklen Luft. Ophey bedient sich bei solchen Bildern gern kleiner Farbtupfer oder kurzer Pinselstriche, um das Flirren des Lichts wiederzugeben oder das Spiel des Lichts auf den Rinden alter Bäume. (...)
Sind seine Gemälde Farberuptionen, so sind seine Kreidezeichnungen Charakterisierungen mit der reinen Linie, der er allerdings durch Verwischen auch malerische Qualitäten hinzufügt. (...)
Sein "Rotes Haus in Monschau" könnte einem Alptraum entsprungen sein, sein "Rathaus im Sauerland" einer burlesken Komödie. Man fängt vor solchen Bildern an zu träumen, meint in einer Kirmesbude ein Lebewesen erkennen zu können und in einem Schaufelbagger ein monströses Wesen aus einem Märchen aus 1001 Nacht. Mit Ophey kann man einen Künstler entdecken, den die Farbe und ihre Ausdrucksmöglichkeiten zum Fantasten gemacht haben, der auf der Leinwand im Akt des Malens ganz neue Sphären erschuf, die von der realen Welt angeregt worden sein mögen, aber im fertigen Bild ein ganz eigenes Leben entwickeln - ein Fantast der Farbe."

Quelle: Der Kulturblog von Rainer Zerbst

Einen kommentierten Rundgang durch die Ausstellung bietet der: Kulturkanal von Rainer Zerbst

"(...) Zu seiner Zeit war der Künstler Walter Ophey sehr, sehr modern. Doch der Düsseldorfer Maler fiel dem Vergessen anheim. Nicht, weil sein Werk nicht bedeutend ist, sondern weil er 1930 im Alter von nur 47 jahren starb - kurz vor Ausbruch des Zweiten Weltkriegs.
(...) "Walter Ophey gebührt mehr Ehre", sagte Galerieleiterin Isabell Schenk-Weininger und diesen Anspruch beweisen gleich zu Beginn des Ausstellungsrundgangs drei große, intensiv-farbige, abstrakte Landschaftsgemälde - des Künstlers Hauptmetier. Schon 1912 malte Walter Ophey mit einer Abstraktionskraft, mit der er seiner künstlerischen Zeit voraus war.
(...) Ophey war sehr interessiert an der Arbeit seiner künstlerischen Zeitgenossen, die in ersten Ausstellungen in Deutschland zu sehen waren. Vor allem Vincent van Gogh, aber auch Georges Braque oder Edouard Manet hatten es ihm angetan. Und er suchte sich durch den Impressionismus, den Pointillismus, den Symbolismus seinen eigenen Weg. Er fand ihn in der Rauschhaftigkeit der Farbe und in einer besonderen Pinselführung. Die Ausstellung zeigt die Entwicklung des Künstlers vom Düsseldorfer Kunststudenten hin zum eigenständigen, modernen Maler, der neben August Macke und Heinrich Nauen der wichtigste Vertreter des Rheinischen Expressionismus wurde.
(...) Jedes Kabinett in der Galerie verfolgt den Weg der Farbentwicklung. Anfangs ist es noch die Peinture Blonde, die Hellmalerei, der französischen Impressionisten, den leichten Aufstrich, mit dem er nach eigenen Worten versucht, das Sonnenlicht einzufangen. Nach einem Aufenthalt in Italien werden die Farben und der Farbauftrag kräftiger. Licht wird zum großen Thema. "Sonnenfarbenfeuer" nennt Ophey das, was sich in den Gemälden der Sandgruben rund um Düsseldorf widerspiegelt. (...)"

Quelle: Gabriele Szczegulski, Bietigheimer Zeitung vom 07.02.20

Der Düsseldorfer Künstler Walter Ophey stand im Schatten Anderer, in der Bietigheimer Schau erweist er sich nun als beweglicher Farbenvirtuose

"Er war seiner Zeit stets einen Schritt voraus - und wurde doch über die Jahrzehnte fast vergessen: Walter Ophey (1882-1930), gebürtig aus Eupen (heute Belgien), zählt zu den Künstlern des sogenannten Rheinischen Expressionismus. Der Maler und Grafiker starb nur wenige Jahre vor der Machtergreifung der Nazis - was nicht zuletzt zur Folge hatte, dass seinem künstlerischen Erbe mangels vorangegangener Rezeption auch in der Nachkriegszeit kaum Beachtung geschenkt wurde. Ein bedauerlicher Umstand, wie die neue Schau "Farbe bekennen! Walter Ophey. Ein rheinischer Expressionist" in der Städtischen Galerie Bietigheim-Bissingen beweist. (...)
So wird der Besucher im großen Ausstellungsraum gleich von drei großformatigen, farbkräftigen Naturbildern empfangen - und die haben es in sich. Erstaunlich welche Abstraktionskraft etwa der "Herbstphantasie" (1912) innewohnt, zumal für diese noch recht frühe Entstehungszeit. Baum, Gebüsch oder loderndes Feuer? Schwer zu sagen. Nur die kleinen Pilze am Boden lassen sich zweifellos als solche identifizieren. "Ophey war wahnsinnig weit für die Zeit", betont Schenk-Weininger. "Wir wollten mit dieser Ausstellung zeigen, dass es sich lohnt, das zu sehen." In seiner Vielfalt ist Ophey zudem schwer zu fassen, stilistisch ist er beweglich, auch innerhalb kurzer Zeiträume - ein Hauch Monet hier, der impressionistische Pinselstrich vor allem, die dynamischen Formen lassen eher an van Gogh denken, während sich das Spätwerk überwiegend doch klar dem Expressionismus zuordnen lässt. (...)
So präsentiert die Bietigheimer Schau einen ganzen Kosmos der künstlerischen Stile aus dem ersten Viertel des 20. Jahrhunderts, der wahrhaft staunen lässt. "

Quelle: Johannes Koch, Ludwigsburger Kreiszeitung vom 07.02.20

Die Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen erinnert an den fulminanten expressionistischen Künstler Walter Ophey. Einst war er bekannt und geschätzt. Wie konnte er in Vergessenheit geraten?

"Szenen aus dem Lazarett - zu Papier gebracht mit farbiger, leicht ausgeriebener Kreide? Die Apathie und Tristesse des Kriegsversehrtendaseins, dargestellt in leuchtenden Farben? Wer kommt auf so eine Idee? Walter Ophey kam darauf, ein Apologet der Farbe - und ein fast vergessener deutscher Künstler der klassischen Moderne. "Das kennt man sonst von niemandem", meint Isabell Schenk-Weininger in anhaltender Faszination (...)
Zu entdecken ist ein Künstler, dessen charakteristische, energetisch aufgeladene und eigenwillige Handschrift sich bei unorthodoxen Motiven wie Sandbrüchen zeigt: Ophey malte spielende Kinder oder Reiter in leuchtend gelb-orange-ockerfarbenen Sandgruben. Sie zeigt sich, wenn er raumgreifend große, abstrakte Landschaften schafft oder latent beunruhigende Puppen- und Marionetten-Stillleben komponiert. Oder aber markante Stadt-und Industrielandschaften, in denen Häuser, Karussells, Bagger oder Kräne seltsame Eigenleben entwickeln. (...)
"In einer Zeit, als die Künstlergruppe Brücke noch um Anerkennung kämpfen musste, war Walter Ophey schon enorm modern", sagt Isabell Schenk-Weininger. "Die klassische Moderne war so vielfältig. Es ist einfach nicht richtig, dass manche Künstler heute in der zweiten oder dritten Reihe stehen." Bis zum 10. Mai will die Bietigheimer Galerie ihr Scherflein dazu beitragen, dass Walter Ophey in die erste Reihe zurückrückt. "

Quelle: Susanne Mathes, Stuttgarter Zeitung vom 10.02.20

"Der Herrgott schuf die gerade Linie im Zorn", sagte Walter Ophey 1930. Er starb im selben Jahr, erst 47 Jahre alt. Dabei hatte er eigentlich noch auf den Mond reisen wollen, dieser fantasievolle Liebhaber der Farbe. Walter Ophey hat ein Werk hinterlassen mit ganz unterschiedlichen Bildern, die nur eines verbindet: die Leidenschaft für die bunte Palette. "Ich fühle mich in der Farbe am wohlsten, dämmrige Zimmer liebe ich nicht", sagte er. Die Einflüsse sind so vielfältig wie die Bilderwelt von Walter Ophey. Van Gogh könnte ebenso Pate gestanden haben wie Seurat, Matisse oder August Macke. Doch der Kunstmarkt tut sich schwer, wenn er Künstlern keinen eindeutigen, wiedererkennbaren Stil zuordnen kann. Und so gelang Ophey nie der ganz große Durchbruch. Emsige Nachlasspfleger aber sorgen dafür, dass sein Werk nicht in Vergessenheit gerät. (...)"

Quelle: Sabine Scheltwort, kunst:art, Jan-Feb 2020

"Kurz hinter Düsseldorf beginnt die Sahara. Grelles Weiß und Wüstengelb lassen die Sandsteinbrüche bei Ratingen wie ein nordafrikanisches Naturereignis aussehen. Geografische Korrektheit interessierte Walter Ophey nicht. Zu Lebzeiten wurde der Farbenthusiast und Landschaftsverwandler in einem Atemzug mit August Macke genannt, doch als nach 1945 die Renaissance des Expressionismus einsetzte, erinnerte sich plötzlich niemand mehr an den Wahlrheinländer aus dem belgischen Eupen. Erst jetzt, wo selbst die drittklassigsten Werke von Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchnerund anderen Stars kaum noch ausreichen, um den Heißhunger auf expressionistische Kunst zu stillen, beschäftigt man sich wieder mit ihm. Auch auf die Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen ist der Funke von Opheys koloristischer Glut übergesprungen. „Farbe bekennen!“ heißt die Schau, die über hundert Werke des Künstlers aus dem Düsseldorfer Kunstpalast und weiteren Sammlungen vereint. Er hat mit vielen Bildsprachen der Moderne experimentiert. An der flirrenden Fleckenmalerei der Neoimpressionisten schulte sich Ophey ebenso wie an den eingekerbten Linien Vincent van Goghs. Doch letztlich war all das nur Ansporn, nach etwas Neuem zu suchen, brennenderen Farben und anderen Räumen. (…)
Die „Herbstphantasie“ von 1912 schließlich durchstößt die Schallmauer zur Abstraktion und überlässt dem Betrachter die Entscheidung, was da so ekstatisch vor dem unruhigen Himmel tanzt. Verwachsene Bäume, fallende Blätter oder safrangelbe Taggespenster. (…)
Besonders im Porträt erweist sich die radikale Unabhängigkeit der Farbe mitunter als wenig vorteilhaft für die Dargestellten. Frau Esser zum Beispiel, die um 1912 bei Ophey Modell saß, bleckt dem Betrachter grüne Zähne entgegen. Als Trost für Frau Esser sei gesagt: Die eigene Physiognomie verfremdete der Künstler noch viel kompromissloser, wie das Selbstporträt im Stil einer afrikanischen Steinfigur beweist.
(…) für eine Abwechslung im üblichen expressionistischen Ausstellungseinerlei sorgt Ophey auf alle Fälle."

Quelle: Georg Leisten, Stuttgarter Nachrichten vom 26.02.20

"In der Regel erschließt sich Kunst immer mehr, je länger man sich mit ihr beschäftigt. Neue Details treten bei einem Bild in den Vordergrund, neue Zusammenhänge erschließen sich, ein Bild rundet sich, wird tiefer, in der subjektiven Deutung auch oft klarer, auch wenn diese subjektive Sicht naturgemäß stets mit einer Reduzierung möglicher Aspekte einhergeht. Bei den Bildern des 1940 geborenen und mit 47 Jahren früh verstorbenen Malers Roland Wesner ist das anders. Hier gibt jeder weitere Blick auf die Bilder neue Rätsel auf, und das schon von Anfang seiner kurzen Karriere an, wie eine Ausstellung in der Städtischen Galerie Bietigheim-Bissingen zeigt. (...)
Wesners Bilder geben Rätsel auf. Das war schon früh der Fall. Da widmete er sich gern dem Genre Stillleben, und auch da scheint zu Beginn immer wieder alles ganz klar und eindeutig. Lobster heißt ein Bild von 1965, Wesner war da gerade einmal fünfundzwanzig, und der Hummer ist auch deutlich zu erkennen, zentral im Bild. Er scheint bereits fertig zum Verzehr aufgetischt zu sein, denn er ist umgeben von anderen Ingredienzien einer Tafel: einer Esskastanie, einer Frucht, einem Trinkkelch, einer Vase. Aber all das ist nur angedeutet, wie zufällig über die Bildfläche verteilt und nie ganz richtig ausgemalt, sieht man von dem titelgebenden Tier einmal ab. Wesner baute seine Bilder aus Versatzstücken auf, und so verband er auf solchen Bildern verschiedene Epochen der Kunstgeschichte. (...)
Wenn er, was in diesen Jahren oft geschah, solche Esstische durch Figuren ergänzt und so ganze "Tischgespräche" darstellte, sind die Köpfe der Teilnehmer dieser Tafel über das Bild verteilt, in unterschiedlicher Größe und aus unterschiedlichen Perspektiven, Picasso kommt so andeutungsweise mit ins Spiel. Und der Hintergrund dieser Bilder ist meist reine Farbmalerei in faszinierenden Farbmischungen - das Stillleben wird abstrakt. Dieser Hang zur Abstraktion verstärkte sich Anfang der 70er Jahre. Die Bildelemente werden weniger leicht deutbar. Statt Gesichtern oder Nahrungsmitteln tauchen nun amorphe, organisch wirkende Gebilde auf, die nicht selten erotische Konnotationen haben. Ganze Körper oder auch nur Körperteile ergeben sich aber nicht daraus. (...)
Eindeutig ist bei Wesner nichts. Das gilt erst recht für seine letzte Phase. (...)
Nicht selten umrahmt Wesner seine Szenen, die erstaunlich erzählerisch wirken, doch deren Inhalt man nicht wiedergeben kann, durch schwarze Balken. Das alles scheint der Welt entnommen, wie wir sie kennen, und ist doch aus einer ganz eigenen Sphäre, einer märchenhaften, traumhaften. (...)
Lebenswelt und Abstraktion, Surrealismus und Poesie mischen sich in diesen Bildern. Da wächst aus einer scherenartig gemalten Kaffeetasse ein Baum. Beide sind genauso groß wie die Häuser einer Stadt daneben, und riesengroß hängt dieselbe Tasse samt Baum kopfüber am oberen Bildrand nach unten. Es sind Bilder, die ihresgleichen suchen und die ein Verweilen davor zum Vergnügen machen, auch zum intellektuellen, wenn etwa Schiller auf einer italienischen Brücke porträtiert wird." (...)

Quelle: Der Kulturblog von Rainer Zerbst

Einen kommentierten Rundgang durch die Ausstellung bietet der Kulturkanal von Rainer Zerbst

"Zwei Ausstellungen - ein Maler: die Städtische Galerie Bietigheim-Bissingen und das Museum im Kleihues-Bau Kornwestheim widmen sich jeweils eine Schau dem Ludwigsburger Künstler Roland Wesner. (...)
In der Städtischen Galerie Bietigheim-Bissingen wurde anhand eines chronologischen Überblicks eine Art Retrospektive von Galerieleiterin Dr. Isabell Schenk-Weininger und ihrer Stellvertreterin Dr. Petra Lanfermann erstellt. Die Schau beginnt bei den frühen Stillleben, geht zu den Pop-Art-ähnlichen großen Gemälden über die abstrakten Flächen- und Farbkompositionen bis hin zu den surrealen Landschaften und rätselhaften Figurendarstellungen. "Ein Künstler muss sich für alles interessieren" war einer der Kernsätze des Malers. Er muss beobachten und Spiegel der geistigen Auseinandersetzung des Menschen mit seiner Zeit sein. Das war Wesners Ansatz.
Fantasiereich, barock und mit einer starken Symbolkraft leuchten die Arbeiten in den gesamten Farben des Regenbogens, den Wesners Ende der 1970er Jahre als Symbol entdeckte. Bilder aus den 1980ern künden aber auch von der Existenzangst des Künstlers. Er bekommt eine Depression. In diese Zeit fällt ein Auftrag der Gemeinde Ingersheim, die Vollverglasung der Aussegnungshalle des Holderfriedhofes zu gestalten. Die zuversichtliche Metaphorik mit Licht und Schatten, Regenbögen und Bäumen überzeugte den Gemeinderat. Roland Wesner erlebte die Realisierung nicht mehr: Am 25. Mai 1987 stirbt er an den Folgen eines Suizids. Ingersheim setzte ihm ein Jahr später mit der Realisierung ein Denkmal. "

Quelle: Gabriele Szczegulski, Bietigheimer Zeitung vom 18.04.20

Nach der Corona-Pause klappt auch die Städtische Galerie in Bietigheim-Bissingen den Bürgersteig wieder runter. Zu sehen gibt es, mit etwas Verspätung, den Ludwigsburger Maler Roland Wesner, der definitiv eine Entdeckung ist.

"In den Jahrzehnten nach seinem frühen Tod nur regionalen Kennern geläufig, erlebt der Ludwigsburger Maler Roland Wesner mit einer Doppelschau in Bietigheim und Kornwestheim anlässlich seines 80. Geburtstags eine späte Würdigung - und was für eine! Schon im Eingangsbereich, hinter der - nun wie vielerorts mit Plexiglas verkleideten - Theke zieht das imposante "Quadrupel" (1967), eine vierteilige Werkreihe, den Besucher mit seiner eigenwilligen, aber wirkmächtigen Bildsprache zwischen Kirchenaltar und Klimt`schen Jugendstilzitaten sogleich in seinen Bann. Roland Wesner (1940-1987) scheint mit seinen schillernden Farben und Formen, aber auch seiner persönlichen Zurückgezogenheit und den tiefen Abgründen, die sich gerade in seinem Spätwerk manifestieren, perfekt in diese Corona-Zeiten mit all ihren Unsicherheiten und Auflösungserscheinungen zu passen. Und ist unabhängig davon unbedingt eine Entdeckung wert. (...)
Wesners Stil baut auf der Klassischen Moderne auf, die er jedoch gleichzeitig überwindet. Als lebensfroh und sehr belesen, aber auch zurückhaltend galt der später von Depressionen heimgesuchte gebürtige Stuttgarter, der seit 1963 Wahl-Ludwigsburger und auch Mitbegründer des Kunstvereins war. Die Selbstvermarktung hingegen war sein Ding nicht - einen Galeristen hatte er zeitlebens nie. Ein Grund, warum die Leihgaben für die Schau von seiner Witwe Anita Wesner und anderen privaten Besitzern stammen. (...)
So findet der Künstler, der sich im Jahr 1987 das Leben nimmt, über die Kunst einen Weg, zwischen Philosophischem und Religiösem den Sinn des Lebens zu diskutieren. In ihrer Intellektuellen Dichte ist die Schau jedenfalls geeignet, ihre Betrachter inspiriert, aber nachdenklich den Heimweg antreten zu lassen."

Quelle: Johannes Koch, Ludwigsburger Kreiszeitung, 07.05.20